Cuando desarrollamos un personaje en una situación determinada, el artista debe construir la acción apropiada. Cualquier escena desarrollada para tu personaje debería informar al espectador de la intención real que hay detrás de las acciones del personaje. Sus motivaciones, sus sentimientos, sus habilidades (o la carencia de estas) y su personalidad. Y todo esto se debe lograr incluso en ausencia de diálogo. La ventaja de los dibujos sobre las películas reales es precisamente esto: podemos jugar con las expresiones corporales y exagerar las emociones hasta el extremo. No necesitas un actor, un estudio o costes excesivos. Solamente papel y lápiz. ¡Tú imaginación es el límite!
Los objetivos que deberían ser perseguidos para lograr estos resultados en el cartoon son:
Ritmo
Entenderemos gradualmente el papel de cada uno en la composición de una escena dibujada.
1. Línea de acción
La "línea de acción" es una línea imaginaria que traza el movimiento del cuerpo de tu personaje de una manera simplificada y generalmente intensa. Planear tus dibujos basados en esta línea es una excelente técnica para alcanzar la meta deseada. De esa manera puedes acentuar el efecto dramático. Recuerda esto la próxima vez que dibujes a tus personajes en acción.
La línea de acción debería ser fluída y aerodinámica para que podamos ver claramente las intenciones reales detrás de cada una de las acciones del personaje.
Observa como parece raro cuando tu diseño está basado en líneas de acción complejas:
Un ejemplo de uso incorrecto de la línea de acción-- la línea simplemente no encaja el contexto de una forma ideal.
Vemos un ejemplo perfecto de simplicidad y ritmo en el dibujo de cartoons. La línea de acción aporta al artista una oportunidad de ampliar el impacto de sus escenas. Usa este método incluso antes de definir la proporción de tus personajes. Te aseguro que el resultado final del movimiento será extremadamente satisfactorio.
Para ayudarnos a entender las técnicas y procesos usados para dar vida a los dibujos cartoon, debemos conocer los principios teóricos en los cuales se basan estas técnicas.
Los 12 principios básicos de la animación:
En 1981, dos de los más grandes animadores de Disney (Frank Thomas y Ollie Johnston) escribieron un libro titulado "La ilusión de la vida" En él, la audiencia era introducida en los "12 conceptos básicos de la animación" que eran usados por el estudio (desde 1930) en un esfuerzo por producir animaciones más realistas. Aunque estos conceptos fueron desarrollados para usar en la animación tradicional, permanecen sin variaciones hoy en día-- hasta para los proyectos creados digitalmente.
Los conceptos básicos son:
Aplastar y estirar
La anticipación
La puesta en escena
La acción hacia adelante y pose a pose
La acción continuada y superpuesta
Acelerar y desacelerar
Los arcos
La acción secundaria
La cadencia
La exageración
El dibujo sólido
El atractivo
Como mi enfoque aquí no es para abrumarte con todas las técnicas de la animación, me centraré sólo en las principales y descubriremos qué pueden añadir a nuestros, de lo contrario, "aburridos" diseños.
Aplastar y estirar:
Esta es una técnica fundamental-- si no la principal-- que debería ser tenida en cuenta cuando intentamos dibujar dinamismo y movimiento en nuestros personajes. El concepto se reduce a la escala de estiramiento y aplastamiento de un personaje o un objeto cuando se mueve. Usando esta técnica, estamos añadiendo peso y flexibilidad al movimiento. Tomemos el ejemplo aplicado a un objeto:
Date cuenta de la física de la pelota que bota: cuando la pelota cae, su velocidad aumenta y su forma se estira; cuando está en el suelo, se extiende horizontalmente (indicando el peso o la fuera de la atracción gravitatoria).
El ejemplo de arriba ilustra perfectamente esta técnica. Lo más probable es que no verás una pelota botando de esa manera en la vida real, ¡pero en el cartoon funciona genial!
Un ejemplo de la técnica siendo aplicada a expresiones faciales: date cuenta de cómo el cráneo permanece sin cambios y sólo la mandíbula se estira.
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Aplicando la misma técnica a una escena de acción. En el ejemplo de arriba puedes darte cuenta fácilmente del peso que el personaje está sosteniendo. Date cuenta de cómo todo su cuerpo se aplasta en la parte inferior y se estira en la superior.
Guay, ¿verdad? Está técnica nos conduce al siguiente tema.
Exageración:
No hay mucho que decir aquí, ya que este es un principio obvio. Exagerar las expresiones corporales para agregar mayor dramatismo e impacto a los dibujos es una regla obligatoria en el cartoon. Imagínate lo que pasa cuando estamos sorprendidos o asustados-- en nuestro cuerpo se produce una reacción inesperada. Lo mismo debería ocurrir en el dibujo cartoon, ¡pero con un resultado mucho más intenso!
Date cuenta de cómo los ojos se disparan de la cara del personaje y cómo su cuerpo está rígido. Esta es una representación exagerada de una reacción natural que tenemos en la vida real.
De acuerdo a la norma de Disney, esta técnica debería ser fiel a la vida real, pero debe ser presentada de una manera más extrema. La exageración implica cambios en las características físicas de un personaje, o de un elemento que esté dentro de la escena. Sin embargo recuerda, que es importante mantener un buen sentido de la acción que estás intentado ilustrar usando esta técnica, para no confundir al espectador.
Exageración:
Date cuenta de las líneas de acción que dirigen el movimiento del personaje. Intentan acentuar el movimiento de la fuerza que él ejerce para levantar el peso. ¡De esta forma estás convencido de verdad de que la pelota es extremadamente pesada!
Anticipación:
La anticipación es una ténica utilizada para preparar al espectador para una acción que está a punto de ocurrir. Se puede usar para anticipar un movimiento o la aparición de un objeto o un personaje, creando una expectación y señalando el comienzo de un punto álgido.
Este un ejemplo clásico de anticipación: ¡el personaje se está preparando para correr y abandonar la escena!
En teoría, la anticipación consiste en un movimiento oportuno en cualquier dirección que esta reforzado con un movimiento en la dirección opuesta. En el cartoon, la mayoría del tiempo eso significa una anticipación antes del acto mismo y después un proceso de recuperación para completar la secuencia.
Date cuenta en la animación de arriba cómo podemos insertar la acción esperada: Al comienzo hay una breve anticipación del movimiento, que, en la secuencia, desencadena la acción. Gradualmente observamos al cuerpo entrando en un proceso de recuperación y volviendo a una posición cómoda.
La anticipción es una técnica usada a menudo en el cartoon para crear expectación e impacto en la escena-- ya sea animada o estática. Como ejercicio, intenta encontrar otros ejemplos de esta técnica siendo aplicados.
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